English:
It is a rare occasion when we can celebrate the centennial of a prolific female artist. Linda Kohen [Italy–Uruguay, 1923] has had a long career, and her singular visual language—expressed in haunting, intimate paintings—continues to captivate new audiences with her remarkable creativity and temperament. Over many years, she has expressed her reflections on life, its challenges and rewards, inviting viewers into deeply personal spaces that reveal moments from the past, present, and hopefully, the future.
A recent introduction to her work at The Americas Collection began with a series of double-sided painted screens that delicately depict personal spaces: her studio, a linen closet, hallways, and doors. Each panel allows the viewer to peer into her home—an extremely intimate world filled with the everyday objects that surround the artist. Her works open the doors to long corridors, silent windows, garden views, storage closets, and a studio overflowing with stacks of paintings. In describing her world, she distinguishes the domestic from the universal through sober, deliberate choices—faithful reflections of a long life lived far from the ordinary.
Linda Kohen was born in Milan at a time when the rise of fascism in Europe forced her family to seek refuge elsewhere. In 1939, they emigrated to South America and settled in Montevideo, Uruguay. The experience of exile during such devastating circumstances left deep impressions on her—not only in her early years but throughout her artistic career. As a result, themes of isolation and solitude have become central to her work, allowing her to confront the painful memories of displacement.
In 1949, the young artist joined the renowned Taller Torres García in Montevideo. The influence of geometric precision and symbolic structure from the workshop became a pillar of her calm, introspective artistic practice: subdued tonalities and a nervy linework that resists convention. Joaquín Torres García introduced a new appreciation for minimalist signs and symbols—structures used to convey ideas about the function of modern art, particularly in Latin America. His studio became a space for experimentation in pursuit of a universal language grounded in the principles of geometric abstraction and Constructivism.
Kohen discovered that she could adopt a minimalist approach with a focus on drawing, while still stepping away from the strict doctrines of the workshop. Nevertheless, her respect for Torres García is clearly evident in her painting Figure That Departs (2005), which depicts one of his iconic artworks hanging on the wall of a hallway adjacent to a door leading to the garden.
This exhibition presented a selection of significant works created by Linda Kohen since the year 2000. Each piece reflects her keen observation of the world and her deep ability to convey emotion through color, form, and texture. The title of the exhibition, I have painted alone, is echoed in works infused with a sense of nostalgia and isolation—empty rooms, quiet doors, domestic stillness, and muted palettes.
Doors are a prominent theme in her work. In a recent video produced for her centennial exhibition, she remarks that she has been painting doors for one hundred years and has no intention of stopping. The video shows a woman full of energy and dedication, still eager to explore the changing world around her without ever losing sight of her past and the moments that continue to inspire her personal artistic expression.
The doors mark transitions—between spaces, between interior and exterior—and serve as metaphors for the passage toward the soul and the essence of a life’s journey. This symbolism may, in fact, mirror her own. Her innate sense of line in representing doors and windows captures, often imperceptibly, the spirit of her subjects. Each painting becomes an opportunity to expand her use of line and formal composition, employing subdued tones and delicate layers of paint.
This painting technique enhances atmosphere rather than distracting from the subtle arrangement of forms and figures—an aesthetic that is entirely her own. Color has always played a vital role in her depictions of architectural interiors or outdoor natural spaces. Nature, in fact, is the subject of many of her works, and her nearly monochromatic approach to rendering leaves and flowers keeps the viewer’s attention focused on the drawn forms emerging from layered pigment—applied with care across all her compositions.
Kohen’s gaze defines how she engages with each subject—whether it be a landscape, a wardrobe, a figure fragment, or a simple door. Her paintings reveal the private emotional spaces of a reality she generously shares with those who are fortunate enough to witness them.
Español:
Es rara la ocasión en que pueda celebrarse el centenario de la vida de una prolífica mujer creadora. Linda Kohen [Italia-Uruguay, 1923] ostenta una larga carrera, cuyo singular lenguaje visual, plasmado en pinturas inquietantes, da a conocer a nuevos públicos su notable temperamento y creatividad. A lo largo de muchos años, ha manifestado sus sentimientos sobre la vida, con sus desafíos y recompensas, e invitado al espectador a sus espacios más íntimos para compartir momentos del pasado, del presente y, con suerte, del futuro.
Una reciente introducción a sus obras en The Americas Collection comenzó con una serie de biombos pintados al anverso y al reverso, que describen con ternura lugares personales: su estudio, un armario con ropa blanca, pasillos y puertas. Cada panel permite al visitante asomarse a su casa, que constituye el mundo extremadamente íntimo de una artista rodeada de objetos de la vida cotidiana. Sus obras abren las puertas a largos pasillos, ventanas silenciosas, vistas al jardín, armarios, y a su estudio lleno de pilas de cuadros. Al describir su mundo, distingue lo doméstico de lo universal en sus sobrias elecciones: fieles reflejos de una larga vida alejada de lo común.
Linda Kohen nació en Milán cuando el ascenso del fascismo en Europa obligó a su familia a buscar un nuevo hogar. En 1939, viajaron a Sudamérica y se establecieron en Montevideo [Uruguay]. La experiencia del exilio en esas devastadoras circunstancias tuvo profundas repercusiones para ella, no solo en sus primeros años de vida, sino a lo largo de su carrera, por lo que trabajó con temas sobre el aislamiento y la soledad para enfrentar los dolorosos recuerdos del exilio.
En 1949, la joven artista entró al famoso Taller Torres García, en Montevideo. La influencia de la precisión geométrica y el contenido simbólico del taller se convertiría en el pilar de su serena práctica artística: tonalidades tenues y un dibujo nervudo que se resiste a las convenciones. Torres García inventó una nueva apreciación de los signos y símbolos minimalistas, estructurados para elaborar ideas sobre la función del arte moderno, sobre todo en América Latina. Su taller se convirtió en un campo de experimentación en busca de un lenguaje universal basado en los principios de la abstracción geométrica y el constructivismo.
Kohen descubrió que podía emplear un enfoque minimalista con énfasis en el dibujo y, a la vez, alejado de la doctrina del taller. Sin embargo, su respeto por Torres García es evidente en la pintura Figura que se va (2005), que muestra una de sus pinturas icónicas colgada en la pared de un pasillo contiguo a la puerta que lleva al jardín.
Esta exposición presentó una selección de obras significativas que Linda Kohen pintó a partir del año 2000. Cada pieza refleja su aguda observación del mundo y su profunda capacidad para transmitir emociones a través del color, la forma y la textura. El título de la exposición, I have painted alone (He pintado sola), se refleja en obras impregnadas de una sensación de nostalgia y aislamiento: habitaciones vacías, puertas silenciosas, quietud doméstica y paletas tenues.
Las puertas son un tema prominente en su trabajo. En un video reciente, creado para su exposición de cumpleaños, afirma que ha pintado puertas durante cien años y no piensa dejar de hacerlo. El video nos muestra a una mujer con la energía y la dedicación para continuar explorando el mundo cambiante que la rodea sin perder nunca de vista su pasado y los momentos que han inspirado su expresión personal de la vida.
Las puertas marcan el pasaje de un espacio al otro, del interior al exterior, y de las vías hacia el alma y la esencia del viaje vital, que quizás es simbólica de la suya propia. Su innato sentido de la línea para representar puertas y ventanas capta, de formas casi imperceptibles, el espíritu de sus sujetos. Cada cuadro se convierte así en una oportunidad para expandir su manejo de las líneas y de la composición formal mediante el empleo de matices atenuados y delicadas capas de pintura.
Esta técnica pictórica realza el ambiente, en lugar de distraer la atención de la sutil disposición de formas y figuras, estilo que le pertenece solo a ella. El color siempre ha sido importante en cuadros que describen espacios arquitectónicos en los interiores o espacios naturales en los exteriores. La naturaleza es el tema de muchas de sus pinturas, y su enfoque casi monocromático para describir hojas y flores mantiene la atención en las formas dibujadas que emergen de las capas de pigmento aplicadas a todos sus cuadros.
La mirada de Linda Kohen determina sus mecanismos para lidiar con un tema, ya sea un paisaje, un armario, el fragmento de una figura o una simple puerta. Sus pinturas nos asoman a las intimidades subjetivas de una realidad que ella comparte de buen grado con aquellos espectadores que gozan del privilegio de verlas.
